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William Kentridge: „The Refusal of Time“

(von Laura Stern)

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Die Videoinstallation „Die Verweigerung der Zeit“ des afrikanischen Künstlers William Kentridge ist ein lustvolles Erlebnis das sich mit der Frage beschäftigt „Wie können wir uns gegen die Zeit stellen?“. Die multimediale Oper, die für die documenta13 entwickelt wurde, zeigt die Geschichte der Zeitmessung in einzelnen Kapiteln projiziert auf drei Wände. Dabei wird sie begleitet von eigens komponierter Musik und geleitet durch eine gewaltige Atemmaschine die im vorderen Bereich des ca. 40qm großen Ausstellungsraumes steht. Sie bestimmt mit ihrem mächtigen Takt den Rhythmus und die Atmosphäre. In der Mitte des lichtarmen Raumes stehen Stühle, die einladen um auf ihnen zu beobachten. Wie einst Galileo die Zeit an seinem Herzschlag mass, bildet Kentridge den Dialog und Gegensatz zwischen fleischlich, imperfekt und maschinell, perfekt – der Zeit. Gewohnt inszeniert sich Kentridge in seinen Bildfolgen, sowie seine Hauptfgur die Tänzerin Dada Masilo. Masilo ist wie die anderen Tänzer und Musiker aus Kentrigdes Heimat Johannesburg und soll seinen Widerstand gegen den Kolonialismus ausdrücken. Die Verweigerung der Zeit bedeutet das Ende der Sicherheit, das Ende einer Scheinsicherheit die durch das Ticken der Uhr bestimmt wird. Wenn man sich Ihrer verweigert, so Kentridge, sieht man die Welt mit anderen Augen.

Werksentscheidung | Wandlung des Werks durch eigene Wahrnehmung

Kunst bedeutet für mich, einen Rahmen zu schaffen der mir die Möglichkeit liefert mich in eine andere Welt zu begeben, in eine Welt der Phantasie und zu mir selbst. Die documenta13, wie auch andere Ausstellungen, veranlassen zum Träumen, Nachdenken, Reflektieren und in Frage stellen der eigenen Gewohnheiten und Realitäten. Bevor ich die Installation Kentridges im Kulturbahnhof sah, besuchte ich eine Darbietung des amerikanischen Künstlers und Musikers Llyn Foulkers. Er sang und musizierte auf selbstgebauten Instrumenten. Seine Texte handelten primär von der Kritik an Hollywood und allem Unechten, Inszenierten und Oberflächlichem. In meinen Gedanken fühlte ich mich frei und bekam einen Abstand von der stressigen Großstadt. Ich konnte mich fallen lassen und mal nicht auf die Uhr schauen, weil es keine Termine gab, nur Foulkers für einige Momente und meine volle Hingabe. Ich besuchte die Orangerie welche Exponate zum Thema Zeit und Weltbilder, Technik, Physik und Fortschritt zeigt. Meine Gedanken und Gefühle waren nach der Orangerie weiterhin davon geprägt, was die Uhr, die Zeit, mit uns Menschen macht. Das sie bestimmt, taktet, gleichschaltet. Das wir funktionieren wie Roboter. Getaktet, geschaltet. Uni, Arbeit, Sport, Schlafen, Essen, Freunde, Wecker, tick tack tick tack. Das man Exkursionen wie die documenta13 aus Zeitmangel eigentlich nicht wahrnehmen kann, es dann tut und froh ist los lassen zu können. Zeit für Kunst zu haben, Zeit für sich selbst zu haben. Mit diesen Gefühlen betrat ich Kentridges prachtvolle Installation und war unglaublich gepackt und fasziniert. Die Bildabfolgen packten mich, die Musik ergriff mich emotional. Ich wurde in einen andere Welt geführt. Konnte mich selber wieder klarer sehen und war beeindruckt von dem was Kentridge dort schuf.

Reaktion

Während der documenta13 machte ich Notizen und Skizzen und wollte mich nach dem Seminar malerisch, auch eventuell in Form von einer Collage meinem eigenem Werk als Antwort auf Kentridge nähern. Das veruchte ich auch, stellte aber fest, dass ich mit dem gewählten Medium nicht glücklich war, weil dieses eine falsche Interpretation zu lies. Auf Grund dessen wählte ich den PC als graphisches Gestaltungsmittel. Meine graphisch gestaltete Antwort auf Kentridge zeigt mein Gefühl der Gedanken auf der documenta13, vereint mit der Reaktion auf sein Werk. Man sieht in auf meinem Print „ Me time.“ den Taktmacher aus Kentridge zentriert und auch Schriftzüge. Mein Print ist von den Zahlen der Zeit bestimmt, besonders der Zahl „8“ die für die Unendlichkeit steht und den Prozess zu keinem Ende bringt, jeder Widerstand ist zwecklos. Im Hintergrund ist ein Läufer zu sehen, auch er läuft gegen die Zeit. Er ist wie ich jedoch fleischlich und keine Maschine. Für mich, der einzige Moment im Alltag wo ich wirklich los lassen kann und obwohl ich auf die Zeit schaue und sie sogar messe, sie vergesse.

Kader Attia: „The Repair from Occident to Extra-Occidental Cultures“

(von Rebecca Bucks)

Ganz oben im Fridericianum befindet sich das Werk des französisch- algerischen Künstlers Kader Attia. Der 1970 in Frankreich geborene und heute zwischen Berlin und Algerien leben- und arbeitende Künstler setzt sich in seinen Werken oftmals mit Themen wie Immigration, Religion und den Gegensätzen der westlichen und abendländischen Kultur auseinander. Häufig werden diese in Installationen, Videos und Fotografien umgesetzt. Kader Attias Beitrag zur dOCUMENTA 13 in Kassel ist unter dem Namen „The Repair from Occident to Extra-Occidental Cultures“ vertreten. In einem recht spärlich beleuchteten museal gehaltenen Raum befinden sich auf der, dem Eingang gegenüberliegenden Seite, Vitrinen mit Objekten aus Kriegen. Haushalts- und Dekorationsartikel, die aus alten, zusammengeschweißten Patronenhülsen gefertigt wurden und all dies im Kontext der arabischen und afrikanischen Welt. Es sind Dinge, die durch das Umfunktionieren eine neue, friedlichere Bedeutung bekommen haben. Nahe den Vitrinen befinden sich deckenhohe, metallene Lagerregale. Auf ihnen stapeln sich Bücher über afrikanische und europäische Kunst, Geschichtsbücher und (pseudo-) medizinische Auseinandersetzung mit der Bevölkerung Afrikas zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Jedoch kann man sich keines davon anschauen, alle sind mit auffälligen, dicken Schrauben an jeder Ecke zugedreht. Zudem sind die Regale besetzt mit Skulpturen von entstellten, europäischen Veteranen des ersten Weltkrieges, grobgehauene Holzbüsten. Diese hatte Attia im Vorfeld von afrikanischen Künstlern in Auftrag geben lassen. Im Gegensatz dazu, die feinzügigen Büsten afrikanischer Menschen. Ihre Gesichter sind zwar auch von Narben oder Deformierung des Schädels gezeichnet, diese sind jedoch alle Teil von Initiationsriten und somit Teil ihrer Kultur.

Ganz hinten im Raum ist noch eine Leinwand aufgebaut, auf der Fotografien von westlichen Kriegsopfern und ihren Operationen, sowie, gegensätzlich dazu, afrikanische Riten und „Körperkunst“ gezeigt werden. Ebenfalls werden immer wieder Gegenstände eingeblendet, die zwar eigentlich kaputt sein sollten, jedoch von Afrikanern wieder repariert worden sind. Die vorherige Ästhetik ist zwar verloren, einen neue konnte jedoch wieder hergestellt und die Funktionalität zurückerworben werden. Ehrlich gesagt hat mich dieses Werk so sehr schockiert und gleichzeitig begeistert, dass ich mich den ganzen Tag nicht richtig von ihm lösen konnte. Zwar habe ich noch andere interessante Arbeiten auf der dOCUMENTA gefunden, jedoch konnte keine mich so sehr visuell gefangen nehmen. Kader Attias „The Repair from Occident to Extra-Occidental Cultures“ wurde unserer Gruppe bei einer Führung durch das Fridericianum vorgestellt, als einer der letzten Räume unseres Rundgangs. Wir hatten nur kurz Zeit uns einen Eindruck zu verschaffen, doch der hatte es in sich. Der Raum war zunächst dunkel und die Luft sehr stickig. Dazu kamen die verstörenden Bilder, die man nicht richtig in einen Kontext bringen konnte. Als ich mich dann zum zweiten Mal in den Raum begeben hatte um meine Eindrücke künstlerisch umzusetzen, hat dieses bedrängende Gefühl, das ich schon beim ersten Besuch hatte, nicht nachgelassen. Ich wollte dieses in zeichnerische Arbeiten umwandeln. Dabei habe ich mich nur auf die groben Holzschädel konzentriert und teilweise auch auf die Videoinstallation. Zunächst viel mir die Umsetzung recht einfach, ich konnte zeichnen, ohne mich emotional mit den Köpfen auseinanderzusetzen. Doch durch die Wärme und die permanente Flut an schockierenden Bildern hat man sich immer mehr auf das Wahrgenommene konzentriert. Ich empfand einen Ekel und es schwirrte mir der Kopf. Ähnlich ging es anderen Besuchern des Raumes, man konnte vor der Videoinstallation immer wieder Ausrufe des Entsetzens hören oder man sah, wie Menschen sich abwanden. Gleichzeitig empfanden viele eine Art Neugier oder Faszination für diese Bilder. Wie bereits der Titel ankündigt, setzt sich Kader Attia in diesem Werk unteranderem mit den verschiedenen ästhetischen und ethischen Vorstellungen von Reparatur auseinander. Besonders ins Auge gefallen sind die unterschiedlichen Illusionen von Perfektion und Schönheit. Man kann dieses Werk auch gut in der Hinsicht auf den heutigen Kontext und die Vorstellung von Schönheit sehen. Denn Tätowierungen und Piercings sind heutzutage auch ein Teil unserer Gesellschaft, genauso wie Schönheitsoperationen und damit verbunden das Einsetzen von Implantaten. Reparieren kann damit aus vielerlei Sicht betrachtet werden.

Kader Attia: „The Repair from Occident to Extra-Occidental Cultures“

(von Sandra Korintenberg)

Kader Attiaist Sohn einer algerischen Einwandererfamilie und wuchs in denPariser Banlieus auf. Er ist 1970 geboren und studierte an der École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs in Paris und später an der Escola de Artes Applicades in Barcelona, heute lebt und arbeitet er in Berlin. Als Künstler beschäftigt er sich vorzugsweise mit den Medien Fotografie, Video und Installationen, wobei er sich darin sehr mit Themen wie Identität und Genderrollen auseinandersetzt vor dem Hintergrund der Immigration und deren Geschichte. Aber auch findet man in seinen Arbeiten eine abstrakte aber konsequente sozialkritische Haltung, wobei er sich insbesondere mit Problemfeldern und Zusammenhänge mit interkulturellen Konflikten auseinandersetzt die auf seine eigene biografischen Herkunft schließen lassen. Er zeigt auf der dOCUMENTA13 seine Installation „The Repair from Occident to Extra-Occidental Cultures“. Dieses Kunstwerk besteht aus einem sehr düsteren Raum, der durch seine Geschlossenheit, dem gerichteten warmen Licht, dem Geruch und der Geräusche eines immer im Tackt klickenden Diaprojektors den Besucher in eine merkwürdige und intensive Welt versetzt.Das Leittehema der docmenta13 „Zusammenbruch und Wiederaufbau“ hat Kader Attia zum Anlass genommen um eine Gegenüberstellung zwischen notdürftigwiederhergestellten Gesichtsoperationen aus dem Ersten Weltkrieg sowie Zeugnisse der Zerstörung wie Granat-und Patronenhülsen die kunstvoll zu Gebrauchsobjekten undKriegsandenken („Schützengrabenkunst“) verarbeitet wurden. Diese stehen im Kontrast zuafrikanisch kulturellen Traditionen der Reparaturverfahren wie Flick-und Stopftechnikendie zB. Bruchstücke von reparierten Tellern, Schalen oder Stühlen selbstbewusst darstellen anstatt sie zu verstecken. Dargestellt wird dies in langen eisernen Regalen mit groben holzgeschnitzten Nachbildungen von Kriegsopfern und einigen wenigen aus schwarzem Marmor gegossenen afrikanischen Köpfen. Alle Nachbildungen sind in irgendeiner weise entstellt,sei es durch den Krieg oder durch die „Selbstverstümmelung“. Beim Gang durch diehohen Regale die eine fluchtähnliche Wirkung haben, liegen Bücher zum Thema Mensch,Reparatur, Prothesendarstellung und so weiter.

Als ich das erste Mal diesen Raum betrat habe ich diesen als sehr düster, nah, intensiv und schockierend empfunden. Es waren ganz viele kurze unscharfe Augenblicke in dem ich diesen Raum abgescannt habe und von einem schlimmen entstellten Gesicht zum anderen blickte und weitergetrieben wurde um nicht zu lange an einem zu verharren unddiesen richtig ansehen zu müssen. Es war ein sehr intensives Gefühl von erstarren, nichtverstehen warum das so ist was man sieht, ein bedrückendes und schockierendes Gefühlhat mich umgeben. Beim hindurchgehen der hohen Regale habe ich eine gewisseAnspannung empfunden die mich fluchtartig hindurch laufen ließ, vorbei an Büchern mitteils schockierenden Abbildern die durch lange Schrauben durchbohrt waren, bis hin zum Diaprojektor. Dort wurde ich dann mit Fotografien von Kriegsopfern des ersten Weltkriegs konfrontiert die jeden der stehen blieb sehr in seinen Bann zog und schockierte. Es war eines der Kunstwerke die so intensiv und präsent auf mich gewirkt haben, dass ichmich aus diesem Grund dafür entschieden habe. Für mich war es die absolute Konfrontation mit diesen entstellten Gesichtern des ersten Weltkrieges die so intensiv im Kontrast zu der afrikanischen „Skarifizierung“ und den Reparaturdarstellungen von ganz gewöhnlichen Alltagsgegenständen stand. Beim zweiten und viel längeren Besuch in diesem Raum „Repair“ habe ich über dieseGegenüberstellung und diesen Vergleich den Kader Attia darstellt intensiver nachgedachtund habe mich über mich selbst gewundert das ich bisher in Dokumentationen von afrikanischen Völkern die sogenannte Skarifizierung oder Narben-Tatuierung, sei es dieÜberdehnung der Unterlippe oder die Narbenlinien im Gesicht, nie als „Verletzung“ angesehen habe. Sondern als Teil von ihnen und ihrer Tradition oft auch zum Zwecke der Verschönerung oder des kulturellen Status. Bei dieser Gegenüberstellung von dem Künstler Kader Attia habe ich diese kulturelle meist kunstvolle Gestaltung die bei denmeist afrikanischen Völkern ein Zeichen von Schmuck darstellt als Verletzung wahrgenommen, zwar eine selbstzugefügte aber dennoch eine Verletzung oder Entstellung. Auch fand ich es sehr interessant die Tongefäße mit ihren großen Narben zusehen, die Mühe die in diese zerbrochenen und zerstörten Alltagsgegenstände investiertwurde fand ich sehr spannend und sehr besonders. Als würde ein ganz normaler Gebrauchsgegenstand zu einem besonderen individuellen und durch die Zeit geprägtenGegenstand hinauf erhoben. Eine Wertschätzung die in der Welt in der wir leben selten zufinden ist. Interessant fand ich auch die Reaktionen der Besucher, die sich wegdrehten beim Anblick der entstellten Gesichter oder die ihren „Guide“ fragten, ob sie nicht etwas schöneres angucken könnten. Kinder die sagten, wie hässlich die Köpfe seien oder einfach nur bedrücktes Schweigen von Seiten der Besucher. Wenige von ihnen blieben länger indiesem Raum, viele sind gar nicht erst richtig weit in den Raum hineingegangen, sie ließendie Konfrontation dieses Kunstwerks gar nicht erst zu.

Meine Interpretation dieses Kunstwerks ist im Grunde ein Abbild meiner ersten Gefühle,des ersten Augenblicks den ich empfunden habe als ich diesen Raum betreten habe. Es waren die vielen kurzen, eher unscharfen Augenblicke die ich in meiner Reflexion fotografisch und zeichnerisch umgesetzt habe. So habe ich versucht meine ersten Augenblicke auf dieses Kunstwerk in einer neuen Arbeit zu reflektieren.Bei der Ausarbeitung habe ich die verschiedenen Medien Fotografie, Zeichnen und Typographie in einer Collage zusammengefügt. Dabei war mir die düstere und etwas bedrückende Stimmung, sowie die Aussage des Künstlers „Repairs“ besonders wichtig.Ich wollte Bilder darstellen, die auch einen intensiveren Blick benötigen um verstanden zuwerden um richtig gesehen zu werden und um entdeckt zu werden. Die vielen kleinenKonfrontationen in diesen Collagen sieht man erst bei intensiver Betrachtung, genausowie bei Kader Attia, der die Besucher herausfordert und konfrontiert.

Pedro Reyes: Sanatorium

(von Janina Klemm und Christina Schlottmann)

Das Sanatorium ist eine Rauminstallation die in der Aue steht, hier können sich Besucher „Einweisen“ lassen und dann kurze und ungewöhnliche Behandlungen besuchen. Es gibt verschiedenste Therapien zu verschiedenen Alltagsproblemen wie Stress, Einsamkeit oder Angstgefühle in der Beziehung oder im Beruf. Zum Beispiel „Vaccine Against Violence“ bei dieser Therapie wird der Therapeut sie anweisen einen Ballon aufzublasen und an einer Kopflosen Puppe zu befestigen. Dann sollen sie ein Gesicht auf den Ballon zeichnen von einem Menschen der Ihnen viel Leid angetan hat. Danach werden sie ermutigt diese Puppe zuschlagen und Ihrer Wut freien lauf zulassen. Nach jeder Therapie bekommen die Patienten eine Zuckerpille (einen Placebo) der bei jeder Therapie einen anderen Namen und auch eine andere Wirkung haben soll. Bei der oben genannten Therapie jetzt die Pille „Impfstoff gegen die Gewalt“.

Pedro Reyes ist 1972 in Mexiko geboren und lebt heute noch dort. Er arbeitet mit dem erweiterten Skulptur Begriff und schafft so Kunst zum mitmachen. Er ist bekannt für seine überraschenden Lösungen die zugleich einfach wie funktional sind. 2008 begann er ein Projekt „Palas por Pistolas“ hier können die Bürger eine Waffe abgeben und bekommen dafür etwas Nützliches wie eine Kaffeemaschine o.ä. Bis heute wurden 1527 Waffen eingesammelt.

Wir haben uns dieses Projekt ausgesucht, da uns die Kunst zum Mitmachen fasziniert hat und wir diese Unkonventionelle Auseinandersetzung mit Alltagsproblemen sehr gut fanden. Besonders bei der Therapie „Cityleaks“ auf die wir reagiert haben. Hierbei handelt es sich um eine Box in der Leute Geheimnisse aufschreiben und hinein werfen. Im Gegenzug dürfen sie sich einen anderen Zettel herausnehmen. Hierbei soll den Leuten klar gemacht werden, dass sie nicht alleine sind und alle Leute Geheimnisse und Sünden mit sich durch das Leben tragen und sich somit besser fühlen. Dazu haben wir auch eine Kiste gebastelt mit der Aufschrift „Hose runter!“ und hier sollten zum Abschluss von unserem Seminar alle Teilnehmer ein Geheimnis aufschreiben und diesen Zettel in die Box werfen und sich einen anderen herausnehmen. Zuerst herrschte Uneinigkeit ob man die Geheimnisse danach laut vorlesen soll, die meisten waren dagegen. Doch als alle einen anderen Zettel gezogen hatten wollte man diesen auch gerne vorlesen. Das ist genau der Effekt der durch so ein Projekt erzielt werden soll. Man kann eben besser über fremde Geheimnisse sprechen und sieht auch, dass andere auch Geheimnisse haben. Die man manchmal sogar als schlimmer empfindet als die eigenen.

István Csákány: The Sewing Room

(von Eva Wolters)

Der Künstler wurde 1978 in Rumänien geboren und lebt und arbeitet nun in Ungarn. Von 1999 bis 2006 an der Hungarian Academy of Fine Arts in Budapest studiert. Seine Werke sind meistens Installationen – einzelne Gebilde oder ganze Räume –, allerdings gibt es auch einige Plastiken, Objekte und Malereien. Das Material Holz wird von Csákány sehr häufig verwendet: es wird zurecht geschnitten, zusammengesetzt oder als Holzschnitt benutzt. Die Arbeit „The Sewing Room“, das im Nordflügel des alten Hauptbahnhofes steht, ist eine Installation aus Holz und Stoff. Es zeigt eine verlassene Fabriknäherei, die komplett aus Holz geschnitzt wurde, und sieben menschliche Figuren, die nur aus ihren Kleidungsstücken bestehen. Die Nähstube hat einen Boden und eine Decke mit Kabelhalterungen, darin stehen 7 Tische mit Stühlen und Nährmaschinen, alle in einem unterschiedlichen Design. Außerdem befinden sich in diesem Raum ein Mannequin, an dem mal Kleider passend schneidern kann, und eine Maschine, mit der man die Kleidungsstücke glätten kann. Die Figuren, die neben der geschnitzten Nähstuben stehen, sind in Gruppen angeordnet und haben alle eine unterschiedliche Körper Haltung. Die Kleider bestehen aus einem feinen dunkelblauen Stoff und sehen auf den ersten Blick aus wie Anzüge, auf den zweiten jedoch ist zu erkennen, dass es sich um Arbeitskleidung handelt, um eine Kombination aus Latzhose und Jacke. Die Figuren haben allerdings keine Körper, lediglich ihrer Kleider formen menschliche Rümpfe und Extremitäten; aus Krägen, Ärmeln und Hosenbeinen ragt nichts heraus.

Ich habe mir dieses Werk ausgesucht, weil ich Holz als Material sehr spannend finde und vor allem von Csákánys Art, es zu bearbeiten, fasziniert bin. Holz ist einerseits ein so sprödes Material, kann aber auch in sehr runde, geschwungene Formen gebracht und extrem glatt geschliffen werden. Es ist hart und kaum biegsam, wird in diesem Werk jedoch in Formen gebracht, die dem widersprechen: Die Stromkabel, an die die Nähmaschinen angeschlossen werden können, sind rund und gebogen, wie echte Kabel eben, die von der Decke hängen und auf dem Tisch aufliegen oder frei in der Luft baumeln. Beim Betrachten hatte ich das Gefühl, einfach an so ein herunter hängendes Kabel tippen zu können und es so zum Schwingen zu bringen. Daher habe ich als praktische Arbeit etwas geschnitzt, was dem Material Holz, also der Sprödigkeit und Härte, entgegen gesetzt ist; heraus gekommen dabei ist eine runde, weiche, geschwungene Form. Ich habe mir einen Kiefernzweig genommen und ihn zuerst mit einem Taschenmesser grob in Form geschnitzt; in eine etwa 19,5 cm lange, 1cm dicke, gewellte Spindel. Dann habe ich den Stab mit Schleifpapier geschliffen, sodass die Oberfläche ganz glatt geworden ist. Dadurch ist die Maserung des Holzes deutlich sichtbar geworden, was das Ganze noch etwas interessanter macht. Mein Schnitzwerk passt zwar nicht ganz zu Csákánys Stil (am ehesten passt es zu den Kabeln, doch dafür ist es nicht rund genug und hat zu feine Wellen), doch ich habe es trotzdem so gelassen, wie es jetzt ist, weil ich finde, dass es auch so funktioniert und mein Werk ja keine Kopie von Csákánys Installation darstellen soll. Außerdem – und das ist für mich das Wichtigste an meiner Arbeit – stellt es den Widerspruch zwischen der Sprödigkeit des Materials Holz und seiner äußeren künstlich erzeugten Glätte gut dar.

Gustav Metzger

(von Matthias Höing)

Gustav Metzger ist 1926 als Sohn jüdischer Eltern in Nürnberg geboren und kam während des Holocaust nach England. Dort studierte er Kunst an der Cambridge School of Art in London. Metzger ist insbesondere als Begründer der Autodestruktiven Kunst bekannt geworden. Die auf der diesjährigen Documenta veröffentlichten Arbeiten stammen aus dem Frühwerk des Künstlers und entstanden vor seiner Hinwendung zum Autodestruktiven. Die Zeichnungen Metzgers waren vor der Veröffentlichung auf der Documenta weitgehend unbekannt. In diesem Zusammenhang ist auch die Geschichte um die Auswahl des Werkes für die Documenta 13 zu sehen. Carolyn Christov-Bakargiev soll die Zeichnungen in einem alten Koffer entdeckt haben, der seit Jahrzehnten nicht mehr geöffnet worden sei. Einziges Indiz für diese Anekdote ist der zum Teil schlechte Erhaltungszustand der Arbeiten. Auch die für die Zeichnungen gewählte Präsentationsform hängt zum Teil damit zusammen. Die Werke Metzgers wurden in langen mit Stoffplanen bedeckten Glasvitrinen in der Documentahalle ausgestellt. Grund dafür ist zum einen das Bemühen die Arbeiten zu konservieren und zum Anderen eine ganz bewusste Inszenierung der Arbeiten bei der der Betrachter sich auf jedes Werk einzeln einlassen muss. Insbesondere das expressive und abstrakte an seinen Arbeiten hat mich fasziniert. Auch die Verwendung von Farbe und verschiedenen Zeichenutensilien und Materialien und deren Wirkung stand für mich im Fokus der Arbeit. Diese Eindrücke habe ich vor Ort versucht durch Fotos einzufangen (im Anhang) und habe anschließend versucht die vielen Eindrücke, (ohne die Fotos) aus meiner Erinnerung heraus, selber umzusetzen. Dazu habe ich einerseits versucht eigene Aktzeichnungen unter Berücksichtigung seiner Arbeit zu erweitern und auch einige neue Skizzen entwickelt. Auch motivisch habe ich mich an Metzgers Arbeiten orientiert (im wesentlichen Akte und Köpfe). Trotz dieses klassischen Themas beeindruckt seine Umsetzung dadurch, dass die Formen oft erst beim zweiten Hinsehen zu erkennen sind und zunächst die Farbe und die Strichführung den ersten Eindruck bestimmen. Die Auflösung von Formen und Farbigkeit sind wesentlicher Bestandteil von Metzgers Zeichnungen und lassen bereits die zukünftige Weiterentwicklung des Auflösungsgedankens erahnen.

Haris Epaminonda, Daniel Gustav Kramer: „The End of Summer“

(von Raphael Di Canio)

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Gegenstand meiner reflexiven Arbeit im Seminar „Do it yourself – Documenta (13)“ ist Haris Epaminondas und Daniel Gustav Kramers Ausstellung  „The End of Summer“ im ZNL Haus auf dem Gelände des Kulturbahnhofs Kassel. Das Projekt besteht aus einem dreistöckigen Haus, dass ein labyrinthähnlich  angelegtes  Zimmersystem beinhaltet. Ausgestellt werden historische Gegenstände, wie Vasen, Bücher, Texte, Photographien, Filme und gerahmte Auszüge aus Bildern. Die von den Zypern stammende Künstlerin Haris Epaminonda lebt und arbeitet in Berlin.

Warum habe ich gerade die Sammlung von Werken genommen, um mein Projekt anzugehen?

Diese Sammlung von Werken hat mich im Vergleich mit anderen Werken auf der Documenta relativ unbeeidruckt gelassen.

Die schlichten Vasen und Bilder, die nur sporadisch  in dem Haus scheinbar wahllos verteilt sind, riefen in mir den spontanen Gedanken hervor: „Ist das Kunst? Und wenn das Kunst sein soll, kann ich das dann nicht auch?“ Geleitet von diesem Gedanken und aus Neugierde legte ich ein Eigenes Werk zu den bereits ausgestellten und betrachtete die Bildwirkung. Ich griff so in den vom Künstler gewählten Raum ein, veränderte und erweiterte ihn womöglich. Ich wählte die Aktdarstellung einer liegenden Frau, die absichtlich vollkommen aus dem vom Künstler gegebenen Rahmen fallen sollte. Mich interessierte dabei, ob es akzeptiert, kritisiert oder gelobt werden würde oder gar Verwirrung hervorrufen sollte. Die Reaktionen waren unterschiedlich, von einigen stillschweigend im vorbeigehen akzeptiert blieben andere einige Zeit vor diesem stehen und diskutierten sogar über seine Aussage. Als ich mein Werk dann schließlich wieder entfernen Wollte und in den von mir veränderten Kunstraum eingriff schauten mich die Menschen verärgert und entrüstet an, was mir zeigt,dass mein Werk letztlich doch akzeptiert worden war.

Des Weiteren positionierte ich behelfsweise eine Kaffeetasse, die ich aus der Jugendherberge mitgebracht hatte an verschiedenen Orten des Hauses. Zur Umsetzung der eigentlichen Idee, eine den von der Künstlerin genutzten Vasen ähnliche Vase mit in die Ausstellung zu schmuggeln und fallenzulassen, um Verwirrung zu stiften und Reaktionen der Besucher festzuhalten, fehlte mir leider die Zeit. Dennoch war es möglich selbst mit der banalen Idee eine Kaffetasse in einem der Räume zu positionieren Verwirrung zu stiften. So diskutierten doch zwei Besucher darüber, ob diese Tasse wohl von jemandem vergessen worden war oder Teil des Kunstwerkes sein sollte. Sie kamen zu dem Schluss, sie sei vergessen worden, doch so wirklich sicher waren sie sich dabei nicht.

Schließlich hat mir mein Projekt gezeigt, dass es ganz egal ist, was in einer Ausstellung ausgestellt wird, doch sobald es die Türen des Museums durchschreitet gilt es in den Augen der Allgemeinheit als Kunst . Auf diese Weise ist es möglich eine unscheinbare Kaffeetasse oder etwas anderes zu einem Gegenstand der Kunst zu deklarieren. Seit der Documenta lässt mich persönlich die Vorstellung nicht mehr los, in den Kunstraum einzugreifen und eigene Werke einzuschmuggeln, ähnlich, wie der englische Streetartist Banksy es getan hat. Mich interessieren die fließenden Grenzen von dem was Kunst ist, und dem was nicht zu ihr zählt, die Intervention in den Raum der Kunst und die Erweiterbarkeit von bereits bestehenden Kunstwerken anderer.